“Yo siempre fui un fotógrafo muy caótico y rebelde en este sentido de la catalogación. Cuando la fotografía entró dentro del sistema del arte en la Argentina, con todas las cuestiones que hacen al sistema, me empezó a aparecer la presión por los títulos y las ediciones. Son dos cosas que no estaban en mi mente o en mi mundo. Para mí la fotografía no tenía títulos: son fotos, es lo que se ve y se entiende, no necesita más. Es por eso que en ese camino a veces hay contradicciones, cambios de títulos. Eso explica un poco cómo en algunos momentos aparece como parte de la serie Americanas o Boston 82. Para aclarar: la serie es Boston 82, y Americanas fue el título de la muestra donde la exhibí”.

“Esta fue una pieza que hice única, específica, en el contexto de la muestra Americanas en 2013 en la galería Foster Catena, donde mostré por primera vez una edición de fotografías en blanco y negro que produje en mi estadía en Boston y una edición de fotografías digitales color que había producido el año anterior en Nueva York, en mi vuelta a Estados Unidos después de treinta años aproximadamente. Ahí junté dos tecnologías, porque una era blanco y negro analógico, la otra, digital, color, tamaño grande, etc. Entonces, para esa muestra se me ocurrió hacer esta obra, Contact Sheet, que de alguna manera conectaba conceptualmente los dos tiempos de la fotografía, porque esta obra es técnicamente un collage digital. Quise hacer una especie de homenaje a la hoja de contacto, a la etapa analógica, cruzándola con un proceso digital. Es una de las lecturas que tiene esta obra, tiene otras más. Otra cosa que me interesa de esta obra es que yo pienso la fotografía en términos de toda la obra del fotógrafo. No me interesa la foto, sino la experiencia del artista. En tal caso, me interesa el costado performático de la fotografía, es decir, dónde pone el cuerpo el artista, dónde transcurre, qué elige fotografiar y qué no, qué elige poner dentro del recuadro y qué elige dejar fuera. Me interesan las decisiones alrededor de la imagen más que la imagen en sí. La imagen obviamente me interesa en cuanto a que tenga básicamente un efecto en quien la mira de cualquier orden. Pero a mí, personalmente como artista me interesa el devenir, el cúmulo de decisiones. Esta obra apunta a esto, en algún punto es absolutamente documental: lo que vos ves ahí es el transcurrir, mi transcurso con la cámara. La cámara analógica es cada uno de los disparos, no hay ninguno que no esté, hasta hay disparos fallidos, errores, cosas que sí, cosas que no, cómo me aproximé, cuántas veces fotografié una cosa, de ahí a dónde fui, todo lo que tiene que ver con el devenir, con el transcurrir, con la performance del acto fotográfico, que es lo que a mí más me interesa. Es una obra que alude más que a la fotografía, al fotógrafo en su devenir, en sus decisiones, en su recorrer. Yo tengo esa cosa del flâneur, de eso de que camino y reacciono y que eso también esté ahí, es decir: cómo paso de la calle a mi vida privada, cómo estoy en la calle y de pronto hay un chico bañándose en mi ducha, y después vuelvo a salir a la calle, etc. Como un diario, como un devenir”.